Лучшие скульптуры Микеланджело. Часть 4

 

В статье речь пойдет о лучших скульптурах Микеланджело, которых мы насчитали порядка десяти. Два безусловных шедевра вышли из-под резца Микеланджело, это «Давид» и «Моисей». Нельзя обойти вниманием «Пьету» 1499 года, «Восставшего и Умирающего рабов», «День, Ночь, Утро, Вечер» из Капеллы Медичи и еще несколько работ. Сам Микеланджело сокрушался, что так мало скульптур он оставил потомкам.

Объективный подход к оценке работ Микеланджело, свободный от заклинаний о неоплатонизме, божественном и Ренессансе, обнаруживает как его необыкновенное дарование, так и довольно средний технический уровень – последующие поколения скульпторов значительно превзошли гения. Между тем, Микеланджело все же в свое время был один.

Эпиграф.

«Буонарроти можно уподобить ловкому возничему, который с шумом и грохотом мчится на поприще искусств в блестящей колеснице и всех гонит с дороги, и все встречные останавливаются пред ним в остолбенении».

(Н.А. Рамазанов. Материалы для истории художеств в России)

 Не все работы Микеланджело соответствуют статусу самого знаменитого скульптора планеты, поэтому к кажущимся более слабыми его работам обратимся в следующей статье.

А сегодня полюбуемся изображениями известнейших скульптур Микеланджело, расположив их по времени создания.

А для начала – любопытные заметки  Н.А. Рамазанова о Микеланджело.

Сравнивая творчество Микеланджело и творчеством Рафаэля, русский скульптор Н.А. Рамазанов на стр. 253-254 «Материалов для истории художеств в России» (1863), писал:

«… Буонаротти (Микеланджело), работая, постоянно имел в виду удивить, поразить. Микель-Анджело, в порывчатой своей деятельности, мало давал себе отчета в содержании, недостаточно обдумывал избранный предмет; его более занимала внешняя сторона искусства, – и поэтому он щеголял трудными академическими позами, ракурсами, знанием анатомии, чрез что и впадал в манерность… Жизнь Микеланджело исполнена вся энергетических анекдотов и аффектаций… Микеланджело жаждал от окружающих его собственного обоготворения».

«…Микеланджело сварлив, завистлив, заносчив, хвастлив; с носом, перешибленным в драке, не допусающий мысли о тени превосходства над собою, смотрящий на все и на всех с недосягаемого высока, высекающий в мраморе на поясе Богоматери свое имя  («Пьета» 1499); прокладывающий себе в живописи и скульптуре свою размашистую рутину, погрешающий иногда прямо против смысла, почему нередко приходилось ему отклоняться от естественности и впадать в грубые ошибки противу изящества, в ошибки такие же громадные, как был громаден его гений».

Что же, даже сломанный нос Микеланджело (это скульптор Торриджано сломал нос заносчивому тринадцатилетнему Микеланджело) не отвадил его от впитанных в юном возрасте неоплатонических бредней о том, что человек равен Богу. В старости же умудренный жизненным опытом Микеланджело начал осознавать свои заблуждения. А слово «рутина» тоже употреблено неспроста: зная анатомию, Микеланджело «гнал тоннами» обнаженные фигуры, что особенно заметно на его фресках, приставлял груди к мужским фигурам в скульптуре.

1. «Пьета» из собора Св. Петра. 1499 год

Микеланджело 24 года.

Рамазанов приводит примеры доказывая, что Микеланджело мало задумывался о содержании, и том, что он и есть «спортсмен скульптуры». Вот, что пишет Рамазанов о первой «Пьете» 24 летнего Микеланджело.

«В группе его, Pieta, в силах ли Божия Матерь, ослабшая, удрученная глубоким горем, сдержать тело умершего Христа на своих коленях? – Неестественно, несообразно, и в последнем произведении ясно выказывается увлечение гения, допустившего и здесь силу неуместную; а увлечение поклонников Буонаротти сделало это произведение чем-то чудесным, тогда как Pieta Антонио  Монтаути, находящаяся в церкви Иоанна Латеранского, в склепе фамилии Корсини, представляет едва ли не высочайший образец христианской скульптуры; но о нем молчат».

Справка. Антонио Монтаути (годы жизни примерно 1685-1740).

Между прочим, эта церковь является самой главной паломнической церковью Рима. Этот кафедральный собор в Риме с троном папы в иерархии превосходит собор Св. Петра.

Тема Христовых страданий и его оплакивания Богородицей была излюбленной темой средневековых немецких скульпторов, но и в центральных храмах более южных государств она получила свое развитие.

Незадолго до смерти король Солнце Людовик XIV постарался исполнить клятву, данную его отцом. Отец дал клятву (обет) посвятить Королевство Франции Деве Марии. Людовик XIV заказал Николя Кусту (1658–1733), о творчестве которого неоднократно шла речь на СКУЛЬТПРИВЕТ, «Пьету» для главного парижского собора Нотр-Дам-де-Пари. Поскольку перевод в мрамор дело небыстрое, композиция была закончена только через пять лет после смерти короля уже при Людовике XV. Впоследствии отметился в этой связи и Энгр своей картиной «Обет Людовика XIII».

Таким образом, «Пьета» Микеланджело в целом более архаична и непропорциональна, нежели работы более поздних скульпторов (Кусту был племянником знаменитого скульптора Куазевокса, с помощью которого прошел великолепную школу). Рамазанов же как профессиональный скульптор дает оценку Микеланджело вне зависимости от времени создания скульптуры и имени ее создателя. Возможно, его критика может показаться не вполне объективной, но его аргументы всегда очень конкретны.

Микеланджело впервые приехал в Рим в 1494 г. Тогда же он получил заказ на «Пьету». С заказом справился блестяще: в отличие от многих его мраморов, данная работа блестяще отполирована.

На ленте, проходящей через плечо Девы Марии, Микеланджело очень нескромно выбил свое имя уже после ее окончания, поскольку, как рассказывает Вазари, кто-то утверждал, что ее сделал другой скульптор. Сравнение со средневековыми «Пьетами» опускаем, и без того ясно, что перед глазами скульптора должны были быть какие-то образцы.  Содержание тоже неважно, как оно было неважно и для Микеланджело (молодой был). Зато важны снимки крупным планом и с других ракурсов. Они позволяют понять, что композиция трехмерная – это очень высоко характеризует скульптора, при котором мастера еще не владели продвинутыми способами перевода модели в мрамор.

Вазари можно было сколько угодно пояснять, отчего Богоматерь у Микеланджело выглядит намного моложе своего сына, однако, ясно, что скульптору было не до «тонкостей» сюжета, когда целью его было продемонстрировать свое мастерство и запечатлеть свое имя.

Рассматривая с близкого расстояния детали, можно убедиться в высочайшем мастерстве Микеланджело, удивительном для его времени.

Приколы нашего городка. Пройдет еще немного времени по сравнению с бесконечностью, и папа римский Павел VI (понтификат относится к 1963–1978 гг., в 2018 причислен к лику святых) пригласит торговца произведениями искусства Даниэля Вильденстейна обсудить возможность продажи «Пьеты» Микеланджело (!). Ошарашенный Вильденстейн стал отказываться и сказал: «Еврей продает «Пьету» Микеланджело! Да меня за это распнут!». Папа быстро сориентировался: «И вы будете не первым распятым евреем». Эту информацию можно прочитать в книге Филипа Хука «Галерея аферистов. История искусства и тех, кто его продает» на стр. 179.

В 1972 психически нездоровый посетитель молотком разбил «Пьету», в частности, отбил правую руку Богоматери.

Необычный взгляд на «Пьету» 1499 года.

Пьета», после нападения на нее с молотком была удалена от зрителя и первоначально стояла в небольшом помещении в маленькой церкви св. Петрониллы.

Если посмотреть вблизи на фрески Микеланджело (на фото), то некоторые «лица» покажутся настенной граффити, настолько грубо они нарисованы, но при этом они прекрасно смотрятся на большом расстоянии. Зато у «Пьеты» Микеланджело не случайно так много мелких деталей и рельефа на теле Христа: скульптор рассчитывал на близкий контакт молящегося с этой скульптурой, как это было принято в северных странах, издавна практиковавших изображение Христа на коленях у Богоматери. А поскольку северные страны и начали реформацию (борьбу с католицизмом), такая ассоциация с реформацией возникла в головах католических контрреформаторов, однажды назвавших эту «Пьету» «лютеранским капризом».

Для православных «левые и правые – две калоши старые»: не западные ли протестантские страны грезят истребить народ России, не католический ли папа Пий 9 так радовался поражениям России в русско-турецкой войне в 19 веке? Заметим, что Микеланджело сделал «Пьету», когда Лютеру было лет пятнадцать, поэтому речь идет всего лишь об идейном влиянии реформации. Так это и не удивительно: если в Риме сидели папы, то во Флоренции в это же время жег антипапским глаголом сердца прихожан монах Савонарола, пока его самого не повесили и затем сожгли в 1498 г. как раз в год завершения этой «Пьеты». Микеланджело работал в Риме и веселые забавы испанца папы Александра VI Борджиа не могли не вызвать у него ответную реакцию.

2. Мадонна Брюгге. 1498–1501 гг.

Микеланджело примерно 26 лет.

Она получила название по месту своего нахождения. Кто-то считает, что она сделана года на четыре позднее, кто-то считает, что она сделана после первой ватиканской «Пьеты» и до «Давида».

Художники времен Микеланджело, прежде чем одеть изображаемого, рисовали модель в обнаженном виде. Потом это правило тоже соблюдали, например, на СКУЛЬТПРИВЕТ был приведен подготовительный рисунок Давида к картине «Клятва в зале для игры в мяч», на котором голые якобинцы поставлены в позы, в которых они клянутся бороться с королем.

Сохранившиеся после сожжения скульптором своих архивов рисунки свидетельствуют о том, что для фигуры Мадонны Брюгге Микеланджело мог пользоваться этим же правилом, а позировал ему молодой натурщик.

Нелирическое отступление

Все знают, что россияне и не только они подлежали по планам Гитлера и очень по-европейски физическому уничтожению, поскольку «человеческая порода» этим европейцам не понравилась, а территория и ресурсы, напротив, понравились.

Не все, однако, знают, что Гитлер считал себя большим эстетом, охотился за античным «Дискоболом» Ланчелотти и в итоге купил его за бешеные деньги (потом вернули итальянцам бесплатно), когда-то учился рисовать и даже поступал в Вене в Академию художеств, но безуспешно. Этот «европеец» весьма почитал европейское искусство и задумал создать огромный художественный музей, но не в Берлине и не в колыбели национал-социалистического движения Мюнхене, а в австрийском Линце: видите ли, Гитлер был «сентиментальным», а недалеко от этого города «у него была мама» и он там родился. После личного ознакомления с флорентийскими музеями в 1938 г. идею укомплектовать музей работами современных художников он отбросил. Стал грабить и скупать знаменитые шедевры, созданные в предыдущие эпохи.

Была вывезена и «Мадонна Брюге» Микеланджело для укомплектования нового несостоявшегося музея в Линце. Благодаря фантастической и божественной победе Советского Союза этот шедевр ренессансного искусства теперь находится в Бельгии, равно как благодаря России награбленные Наполеоном шедевры были возвращены в Италию в 1815 г.

3. «Давид». 1501-1504 гг.

Микеланджело 29 лет.

Нет особой нужды расписывать достоинства «Давида». Зато можно остановиться на недостатках места, где его установили. И дело не в том, что его поставили на место «Юдифи» Донателло, которую флорентийцы посчитали недобрым символом для города, а в том, что «Давиду» Микеланджело тесно в ряду множества скульптур, да еще и на отшибе. С этим трудно не согласиться.

Сам Микеланджело хотел поставить «Давида» отдельно либо у дверей палаццо Веккьо, либо во дворе этого палаццо. В 1504 была создана весьма представительная комиссия из скульпторов, художников и др. для выбора места установки, и ею было принято предложение Леонардо, который через Джулиано Сангалло убедил поставить «Давида» в лоджии Орканьи (она же лоджия Ланци). Вот, как бы выглядел «Давид» в этом месте:

Есть мнение, что это были происки соперников, что там ему было бы плохо. Есть мнение, что и в Академии оригинал плохо смотрится. Зато в Пушкинском музее в Москве, на наш взгляд, «Давид» (копия) смотрится идеально.

8 июня 1504 г. «Давид» занял свое место около дверей палаццо Веккьо (здание с башней), откуда незадолго до этого убрали «Юдифь с головой Олоферна» Донателло, ее как раз и поставили в лоджии Ланци (теперь она в музее).

Давид был сделан непосредственно после сожжения Савонаролы, в период, когда Медичи были изгнаны из Флоренции, он как бы защищает некие флорентийские ценности антитиранического и прочего свойства.

В 1851 задумались, а не пора ли защитить самого «Давида» от осадков и сделали над ним навес, получилось так, будто «Давид» вышел на крыльцо покурить.

Сюжет «Давида» хорошо известен и уже излагался на СКУЛЬТПРИВЕТ.

Когда 27-летний Микеланджело создавал «Давида», естественно, им двигало желание доказать свое первенство, он создал прекрасную мужскую фигуру в контрапосте. «Это академический этюд в увеличенном виде», – так сказал один из опытнейших профессоров Императорской Академии художеств М. Н. Воробьев в середине 19 века.

Другие скульпторы тоже пытались соревноваться. Флорентиец Джованни Франческо Рустичи (1474–1554) был на год старше,  также как Микеланджело учился во Флоренции, побывал в Садах Медичи Лоренцо Великолепного, наверняка видел и античные образцы, на которых учился Микеланджело. Для сравнения посмотрим на двухметрового бронзового красавца тоже в контрапосте работы Рустичи и согласимся с тем, что он сильно  не дотягивает до «Давида».

Лирическое отступление

Все великое познается в сравнении.

Конечно, Микеланджело дам не ваял. Но чтобы оценить соотношение итальянского Ренессанса и некоторых скульптур того же времени, созданных мастерами северных стран,  а, главное, чтобы повеселить читателя/зрителя, приведем в качестве примера одну алебастровую обнаженную даму, сделанную всего через 4 года после «Давида» скульптором, родившимся в один год с Микеланджело. Конечно, этот скульптор не ориентировался на античность, а ориентировался на Лукаса Кранаха Старшего, который тоже некогда серьезно изобразил забавную «Венеру с амуром» (в Эрмитаже), которую спародировал не умевший рисовать Пикассо для нашего М. Алпатова.

Скульптором оказался немец Конрад Мейт (1475–1536 примерные годы жизни). Дамой оказалась Юдифь, а ее пухленькие прелести смотрятся на фоне отрезанной головы так же, как и Аннушка на фоне головы Берлиоза, то есть дико. Донателло, хотя и жил раньше, но не такова его Юдифь, его Юдифи вполне было по силам и зарезать, и расчленить. О том, что на севере Ренессанс запоздал по сравнению с итальянским, уже речь шла на СКУЛЬПРИВЕТ.

4. «Восставший раб» и «Умирающий раб». Около 1513 г.

Микеланджело 38 лет.

Изначально эти «Рабы» предназначались для нижней части то трехуровневого, то двухуровневого (разные были проекты) комплекса гробницы папы Юлия II, умершего в 1513 г.  Этот многострадальный заказ (гробница) претерпел много всяких изменений. Когда решили обойтись без этих «Рабов», Микеланджело подарил их Роберто Строцци, который хорошо принял скульптора в своем доме. В 1550 Строцци изгнали в Лион, он перевез «Рабов» во Францию. Далее «Рабы» в качестве подарка посетили несколько замков, в частности, замок Пуату кардинала Ришелье. Так бы и гуляли они частным образом в качестве подарка или предмета купли-продажи, но тут подоспела Великая французская революция 1793 года. Когда вдова одного из Ришелье решила продать «Рабов», они были секвестрированы (принудительно изъяты) и с 1793 г. принадлежат государству. Потому они и в Лувре.

Не исключено, что «Рабы» олицетворяют покоренные папой Юлием II области, может быть, оттого и постеснялись ставить их на гробнице. Но, как всегда это бывает при виде спящих, кто-то видит в «Рабах» борьбу души и плоти. Такой полет мысли привлекателен.

Мало что умевший Роден, насмотревшись на этих «Рабов», сделал слепок с бельгийского солдата Нейта в контрапосте, а голову солдата сделал спящей, потом с помощью простой процедуры переименования статуи из «Раненого» этот солдат превратился в «Бронзовый век», в котором человечество «просыпается», то есть одухотворяется, про скандал с Нейтом можно почитать, если перейти по ССЫЛКЕ.

5. «Моисей». Около 1515 г.

Микеланджело 40 лет. Самый расцвет сил.

По сути, это все, что осталось от Микеланджело на грандиозном по замыслу надгробии-монументе папе Юлию II (умер в 1513 г.). Ясно, что без личного участия этого умершего папы было трудно рассчитывать на возможность реализации такого проекта, слишком много было желающих попользоваться талантами Микеланджело, хотя этот чисто скульптурный проект его явно заинтересовал, хотя потом превратился в головную боль.

Начал этот проект Микеланджело с энтузиазмом, даже лично подбирал мрамор в Карраре, но уже в 1505 г. поссорился с папой, потом помирился. Закончил же работу через 40 лет по принципу «лишь бы отвязались», временами у него требовали вернуть задаток за эту работу. Эту историю с гробницей Микеланджело называл «трагедией Надгробия».

Но и это оказалось немало, поскольку «Моисей», как и «Давид», – главная центральная скульптура Микеланджело. Скульптура является шедевром, хотя Микеланджело использовал хорошо обкатанные им позу и решительный поворот головы. Это говорит о том, что дело на самом деле не в позе, а в нюансах (если, конечно, постановка в целом не провальная).

Ренессансный подход к жизни сохраняется: можно сказать, что главное содержание работы – все та же террибилита (ужасное) во взоре. Когда-то и бритый «Давид» гневался, демонстрировал Гнев и Силу, главные «ренессансные добродетели». Потом, видимо, постарел, оброс бородой, оделся, присел, бросил пращу, взял в руку скрижали (каменные плиты с десятью заповедями), но все также смотрит налево. Конечно, повод для ренессансного Гнева в данном случае другой – отступничество еврейского народа. Как скульптурный мотив, конечно же, это совсем другая скульптура. Микеланджело как скульптор разнообразен.

Когда-то на СКУЛЬТПРИВЕТ уже обсуждался вопрос, почему главные персонажи в творчестве Микеланджело, включая Брута, смотрят налево. Высказывалась мысль о том, что это потому, что Микеланджело правша и так удобнее работать над лицом, держа долото в левой руке и молоток в правой. Хотя нельзя исключать, что какие-нибудь неоплатоники видят глубокое духовное различие между правой стороной и левой. Есть и другой пример: заставил же Александр II скульптора Петра Клодта поменять аллюр с левой ноги коня на правую, разглядывая модель памятника Николаю I (установлен перед Исаакиевским собором в Санкт-Петербурге). А почему, мы не знаем.

Папа Юлий II заказал свою будущую гробницу у Микеланджело в 1505 г., а в 1513 г. он умер. После его смерти проект менялся шесть раз. В итоге Микеланджело сделал для гробницы лишь фигуру – «Моисея», но она-то и стала центральной. Возможно, поэтому некоторые видят в «Моисее» если и не портрет самого Юлия II, то, во всяком случае, его образ. Рожки на голове у Моисея, конечно, отсутствовали, они – следствие неверного перевода одного из древних текстов. Зато и они впечатлили впечатлительных.

Вставал ли Микеланджело на плечи гигантов? До Микеланджело ближе всех к Медичи из скульпторов оказался Донателло, любимый скульптор Козимо Старого Медичи. В музее собора Санта-Мария-дель-Фьёре, открытом в конце 19 века, находятся несколько скульптур Донателло. Там можно видеть и сидящего Св. Иоанна Евангелиста. Этого святого в исполнении Донателло иногда именуют «отцом» «Моисея», настолько серьезен его взгляд.

Об одном из вариантов гробницы Юлия II можно судить по следующей реконструкции:

Лирическое отступление.

На одних рожках в «Буонарроты» не выйдешь.

Рожки – атрибут Пана, который сопровождал Диониса. Можно долго распространяться на дионисийско-неоплатонические темы, ограничимся, однако, простой констатацией наличия рожек.

Антуан Бурдель (1861–1929 гг.), исковерковавший в своих портретах не одного персонажа, понял, что ничему хорошему у Родена не научишься (и ведь действительно не научился!) и отошел от импрессионистической манеры Родена. Увлекся архаикой, о пагубности которой как раз во времена парижского Салона 1900 года предупреждал наш великий художник И. Е. Репин. После известной бурделевской «Головы Аполлона», сделанной как раз 1900 года, (она сильно предвосхищает хищные типажи времен 1930-х и 1940-ых в исполнении немца Арно Брекера, но тот был профессионалом) Роден сказал Бурделю: «Ах, Бурдель, ты меня бросаешь!». Это было в самом начале 20 века, когда в ход пошла «чернь искусства», как о том выразился Репин.

В 1910 г. Родену было 70 лет, Бурдель решил сделать портрет брошенного им «метра» Родена, хотя Роден этого не хотел, видимо, понимал, что ничего хорошего из этого у его бывшего ученика не выйдет (и ведь действительно не вышло!). Бурдель, однако, реализовал свое намерение, причем, как и Микеланджело «Моисея», он решил представить Родена в виде сверхчеловека. Получился Роден-Моисей, потому как с бородой и … с рожками.

Кто-то наивно восхищается микеланджеловско-библейской «мощью» этого бурделевского персонажа, а кто-то считает это карикатурой на престарелого скульптора-импрессиониста.  Роден своим творчеством и экивоками в сторону Микеланджело дал повод для таких интерпретаций, слишком уж очевидно, что «не по Сеньке шапка».

Только не удивляйтесь, но такое ощущение, что Бурдель считал, что как только перед ним скульптор, то он должен быть похож на Моисея с рожками.

6. «Воскресший Христос». 1519–1521 гг.

Микеланджело 45 лет.

Самый плодотворный по количеству скульптур период творчества Микеланджело – это годы с 1520 по1534, то есть возраст с 45 до 58 лет. Однако, едва ли он превзошел свои более ранние работы.

С этим заказом у Микеланджело были проблемы: первый вариант оказался испорченным из-за черного пятна на мраморе в области лица. Второй вариант доделывал ученик Микеланджело. Работа не удовлетворила самого Микеланджело, но переделать заказ ему не довелось. Что не удовлетворило скульптора, можно только догадываться. Оконченные самим Микеланджело скульптуры обнаруживают гораздо более решительный и уверенный мышечный рельеф, тогда как оставшийся вариант моделирован учеником с осторожностью человека, опасающегося испортить мрамор.

Мы включили «Воскресшего Христа» Микеланджело в данную статью только потому, что на его примере хорошо видно, что значит, когда скульптура не дотягивает до лучших работ скульптора.

7. Капелла Медичи. 1525–1534 гг.

Микеланджело 50–60 лет.

Скепсис в отношении жизни в этот период скопился изрядный, но сил еще было много. Микеланджело берется ваять порядка семи полноразмерных фигур: двух усопших Медичи, четыре времени суток, Богоматерь с младенцем. Скорчившийся мальчик из Эрмитажа тоже предназначался для капеллы Медичи, но затем стал отдельной скульптурой, проданной и попавшей в итоге в Россию.

Базилика Сан-Лоренцо во Флоренции с некоторых пор стала фамильной церковью рода Медичи, в ней был захоронен в 1444 г. самый главный из первых Медичи – Козимо Старый. Там же находились работы его любимого скульптора Донателло, который тоже был похоронен в этой базилике в 1446 г. Сын Козимо Лоренцо Великолепный расширял базилику, и она стала носить его имя. В первой  половине 16 века по проекту Микеланджело к ней пристроили небольшую мемориальную часовню – Капеллу Медичи с небольшим куполом, корреспондирующим с большим куполом базилики.

В 1520 г. папа Лев X (сын Лоренцо Великолепного Медичи) неожиданно освободил Микеланджело от работы над фасадом базилики Сан-Лоренцо – так этот фасад и остался в черновом варианте (хоть сайдингом обивай). Зато другой Медичи – Джулио Медичи, будущий папа Климент VII, заказал Микеланджело проект капеллы Медичи в качестве небольшой пристройки к базилике.

В капелле Медичи захоронены:

1. Сын Лоренцо Великолепного Джулиано Медичи (1479–1516), он же герцог Немурский;
2. Внук Лоренцо Великолепного Лоренцо II Медичи (1492–1519), он же герцог Урбинский;
3. Сам Лоренцо Великолепный (1444–1492);
4. Его брат Джулиано (1453–1478). Самыми известными и пышными являются надгробия первых двух Медичи, а братья Лоренцо Великолепный и Джулиано похоронены вместе под статуей Мадонны. Заметим, что указанный Джулиано был убит в результате заговора, а его брату Лоренцо Великолепному удалось избежать этого покушения. Единственный сын этого Джулиано папа Климент VII стал заказчиком капеллы Медичи.

Имена Медичи из поколения в поколение повторялись, немудрено, что наши современники нередко путаются в этих Джулиано и Лоренцо.

Вряд ли Микеланджело старался достичь портретного сходства фигур с усопшими Медичи.

Комплекс скульптур должен выражать мысль о том, что деятельность и созерцание, воплощенные в сидящих герцогах, могут конкурировать с бренностью и скоротечностью жизни. Но мы-то знаем, что тут много личного. Поскольку работа над капеллой Медичи совпала с большими политическими и военными потрясениями в жизни Микеланджело, он использовал печальный повод, связанный с уходом из жизни двух представителей рода Медичи (в 1516 г. и 1519 г.), для воплощения своих собственных мыслей о смысле жизни. А учитывая большую практику Микеланджело в сфере умствований, аллегорий и прочих неоплатонических мыслей, разбирать внутреннюю подоплеку всех этих времен суток совершенно излишне. Достаточно нескольких ключевых слов типа «скоротечности жизни» и «бренности бытия».

«День». Главной фигурой, выражающей недовольство жизнью, является недоделанный «День». В образе явно сквозит отвращение (в том числе и к дневному свету) настолько сильное, что он вот-вот повернется к зрителю спиной. Он может олицетворять бунт против рабства (действительно, сколько можно нагружать скульптора разными заказами), мятеж, муку, гнев, огонь и мало ли что еще.

«Ночь». Начатая в 1526 г. еще до нашествия испанцев на Флоренцию, когда Микеланджело боролся с Медичи и чуть было не распрощался с жизнью, Ночь не поворачивается спиной к зрителю, а норовит повернуться мужественной грудью и наводит на всяческие мысли и аллегории, по-дионисийски олицетворяя животворящие начала, однако нам кажется, что с такой грудью осуществить эти функции невозможно.

«Ночь» и «Леда». Куда ближе к «животворящему началу» оказалась «Леда», почти дословно повторяющая «Ночь», в исполнении ученика Микеланджело Бартоломео Амманати. Да и сам Микеланджело рисовал «Леду» точно в такой же позе, а Амманати позаимствовал идею у учителя. Есть и разница. Между ног «Леды» помещен «животворящий» лебедь-Юпитер, от которого «Леда» родила Елену прекрасную. Микеланджело же между ног «Ночи» поместил Сову (филина), олицетворяющую ночь, воздух и воду. Поскольку рядом с совой мешок с маками, то это уже не смешно: мак – символ галлюцинаций, сна, возможно, и смерти, а тут и до дионисийского экстаза рукой подать – сгорает, дескать, художник на работе в неурочное ночное время от избытка чувств и фантазий.

«Утро» (Аврора). «Утро», как и «Ночь», сделана в 1524–1527 гг. фактически до нашествия иноземцев, но уже олицетворяет всемирную скорбь. Тем не менее, это единственная дама в исполнении Микеланджело, которая весьма дружелюбно и даже несколько манерно-кокетливо поворачивается своими прелестями к зрителю, хотя эту женскую красоту по-микеланджеловски настоящим мужчинам оценить трудно.

«Вечер». «Вечер» обладает наиболее осознанным взглядом, поэтому может нести автобиографические черты. Иногда художник помещает свое собственное изображение в скептически строгом виде, когда изображает нечто, не очень им одобряемое. Такой пример можно найти на инфернальных картинах Иеронима Босха, ему тоже жизнь не казалась медом.

Как Челлини приспособил времена суток для солонки

В 1543 г. бойкий золотых дел мастер Бенвенуто Челлини сделал золотую знаменитейшую солонку (чтобы соль насыпать) для французского короля Франциска I.  Наверху две фигуры: Земли (Цереры) и Моря (Нептуна). Нижний ярус по периметру украшен барельефами, представляющими микеланджеловские времена суток «День», «Ночь», «Утро», «Вечер», которые отделены друг от друга ветрами. Вот так прозаично надгробные фантазии Микеланджело были приспособлены для произведения типичного маньеризма. В маньеризме плохо ничего нет, хотя нет в нем и неоплатонизма, нет в нем и недовольства жизнью и плотью, скорее наоборот. Пожалуй, вещицы из мастерской Фаберже выглядят более изысканными, чем солонка, хотя Челлини снабдил ее массой деталей. Вывод: личное знакомство с Микеланджело – не повод пародировать его скульптуры.

Посмотрим сбоку на Джулиано Медичи. Выглядывает из-за пилястры.

Посмотрим на грудь Джулиано:

Когда-то Платон с учениками философствовал в своей Академии под деревьями, рассуждая о духе. Подальше от греха и всякой мистики в 529 г. византийский император Юстиниан Академию эту закрыл. В середине 15 века во Флоренции опять открыли Академию Платона. Рассуждения продолжились, часто во время пиршеств. Там молодой Микеланджело набрался философской премудрости. Эти познания пригодились ему при работе над Капеллой Медичи. Лоренцо II Медичи в шлеме пальцем руки придает себе задумчивость, что может вполне олицетворять неоплатонические мысли. Однако, Лоренцо II явно медитирует, он явно озадачен психологическими вопросами, что может олицетворять все те же автобиографические мотивы на тему о тирании и тиранах. А можно и так посмотреть: Лоренцо – меланхолик, а Джулиано деятельный, он – флегматик, не случайно же Дюрер в эпоху Ренессанса изобразил четыре темперамента на примере апостолов.

Эти характеры нарисованы точно в то время, когда Микеланджело ваял свои характеры в виде Джулиано и Лоренцо. Но, видимо, в Нюрнберге, родном городе Дюрера (это где судили нацистов), было поспокойней, чем в Риме и Флоренции в это время. В целом все апостолы сохраняют спокойствие и не изворачиваются. Дюрер был на четыре года старше Микеланджело, но умер он гораздо раньше в 1528 г.

Надгробие двух других более старших Медичи – братьев Лоренцо Великолепного и Джулиано (дяди герцога Немурского, тоже Джулиано) расположены под «Мадонной» Медичи, находящейся у стены около входа. Эта «Мадонна» была начата в 1521 г., но к 1534 г. так и не была закончена. Эта скульптура не вызывает кривотолков и кривых толкований, как времена суток. По бокам от «Мадонны» стоят две фигуры святых, сделанные учениками Микеланджело. Все эти три фигуры стоят на простом прямоугольном блоке с надписью «Лоренцо Великолепный» и «Джулиано Медичи» на латинском.

Хотя все обращают внимание на фигуры времен суток, именно «Мадонна» является смысловым центром капеллы Медичи. Судя по ней, Микеланджело не оставляли размышления о скоротечности жизни и о смерти, что вполне естественно, поскольку человек не молодеет.

Лирическое отступление

Все времена суток у Микеланджело томятся, им неудобно, они пытаются сменить позу, но при этом дамы красиво и манерно держат руку около головы. Надо сказать, что наш выдающийся скульптор М. И. Козловский после посещения Рима в 1774-1779 гг. изобразил пребывающего в глубоком раздумье Александра Македонского тоже с такой же рукой, но без манерности. Александру не спится, так же, как и временам суток Микеланджело. Он воспитывает характер, лишая себя сна, шарик, если выпадет из руки, разбудит будущего завоевателя. Не случайно Козловского называли русским Буонарротом. Будучи на шестьдесят лет старше Рамазанова, Козловский во время стажировки в Риме особое внимание обращал на работы Микеланджело и вряд ли разделил бы весьма радикальную точку зрения окружения Брюллова на творчество великого флорентийца.

Великий полководец, однако, так не изворачивается как это делали фигуры под резцом Микеланджело, впереди эпоха классицизма, а не барокко.

Нет сомнения в том, что Козловский стал бы великим скульптором 19 века, но умер в 1802 г. в 49 лет в расцвете творческих сил. В этом возрасте Микеланджело еще даже не приступал к скульптурам капеллы Медичи.

 8. «Победа». 1532-1534 гг.

Микеланджело 60 лет. Скульптор начинает уставать

Насчет времени создания этой работы есть целый спектр мнений, вплоть до 1506 г., когда она могла планироваться для надгробия папе Юлию II. Может символизировать победы Юлия II над покоренными областями, победу рока, победу молодости над старостью, переживания престарелого Микеланджело, воспылавшего страстью к молодому Томмазо де`Кавальери, победу Геркулеса над Какусом (аналогичную статую сделал Баччо Бандинелли), а также вообще что-угодно побеждающее.

Статуя оставалась в мастерской Микеланджело вплоть до его смерти в 1564. Племянник Микеланджело Леонардо (не художник) и ученик Даниеле Вольтера хотели поставить «Победу» в надгробии скульптора в Санта-Кроче (Флоренция). Постояла в музее Барджелло, но с 1921 окончательно поставлена в Палаццо Веккьо.

«Победа» – скульптура манерная и средненькая, поза избитая для Микеланджело. Но то унижение, которое должен испытывать побежденный, на котором по сути усаживается победитель, вдохновило других скульпторов. Это, так сказать, ренессансный шаг вперед по сравнению с античной  крылатой богиней победы Никой, которая не додумалась до унижения побежденных в столь извращенной форме.

В 20 веке тоже были победы, но иногда это ничего общего с Микеланджело не имело.

Пусть уж лучше победы топчут побежденного по-петушиному, по-микеланджеловски, может быть, кому-то это понравится, а вот мечом махать не стоит.

9. «Брут». 1538 г.

Микеланджело 62 года

Бюст великолепен и сделан с каким-то артистическим шиком без мелочных деталей, достоинства его связаны с точностью формы. Микеланджело так часто и решительно поворачивал голову героя налево, что в этой позе для него все было предельно ясно. Грубо обработанная поверхность, неоконченная масса волос не мешают видеть вполне оконченное произведение. По сравнению с чередой отполированных римских портретов бюст кажется гораздо более актуальным и решительным. Рассуждения об антитиранической подоплеке бюста опускаем хотя бы потому, что этот бюст сильно напоминает бюст римского императора Каракаллы конца 2 века н. э., оставившего не очень положительный след в памяти современников.

10. Старость

Были и еще скульптуры. Микеланджело погрузился в тему Христовой смерти. Это еще раз подтверждает его глубокий ум. В частности, он сделал два «Оплакивания», когда ему было около 80 лет. Про эти «Пьеты» уже шла речь.

Представляется, что эти работы всего лишь дают богатую пищу для всяческих рассуждений на тему изменений в подходе скульптора к изобразительному искусству и жизни, когда он стал думать не о скульптуре, а о вечном, то есть о том, о чем думают все нормальные люди в определенном возрасте.